Apresentação será realizada no dia 5 de julho na Expo Dom Pedro
Campinas
Espetáculo “Feitiço de Soma” apresenta uma trajetória da epidemia de HIV/Aids e reflete sobre a recepção da soropositividade no Brasil
Feitiço de Soma. Foto: Pedro Jorge Afrop.
Estruturada como uma espécie de palestra em que eventos históricos relevantes vão se sobrepondo a experimentações musicais, “Feitiço de Soma”, peça inédita da coletiva Rainha Kong estreia no TUSP Maria Antonia dia 10 de janeiro de 2024 com temporada até 4 de fevereiro. O projeto também prevê a realização de um ciclo de três debates públicos, com datas, locais e participantes a definir. As conversas têm parceria da Coletiva Loka de Efavirenz, bem como com outres pesquisadores e artistas que abordam o tema HIV/AIDS em seus trabalhos, com a mediação de Pisci Bruja – membra da Coletiva Loka de Efavirenz.
Desde o início da epidemia de HIV/AIDS no Brasil, na década de 1980, a estigmatização sobre os corpos que convivem com o vírus é impactada diretamente pela ideia de que apenas pessoas pertencentes às comunidades LGBTQIAP+ e/ou pessoas racializadas como não-brancas possam contrair o vírus – ideia midiaticamente estruturada naquela década, mas que encontra ecos até hoje. É daí que parte “Feitiço de Soma”, obra criada em 2020 por Aleph Antialeph. “A peça compreende a história particular de alguém que recebeu o diagnóstico da soropositividade, mas ainda é sujeito da história dentro desse fluxo que se iniciou antes e que se prolonga para muito depois”, conta Aleph.
Na peça, há uma subversão da ideia tradicional da palestra, fazendo com que uma fala por vezes verborrágica vá dando espaço a um feitiço que conclama todas as pessoas para a questão do HIV, muitas vezes colocada como um problema pessoal e carregada de estigmas, como a da sujeira e da depravação.
Sinopse | Duas performers se encontram num palco iluminado e recortado por um símbolo de “+”. Aleph Antialeph e Nãovenhasemrosto reúnem-se para uma palestra, na qual refletem sobre suas próprias trajetórias relacionadas ao HIV, retomando a história do vírus e da epidemia de AIDS – fatos históricos como a Operação Tarântula, deflagrada nos anos 80 no Brasil ou a suposta descoberta de G.D., comissário de bordo canadense intitulado como “Paciente Zero”, supostamente tendo trazido o vírus para a América do Norte. Um avião cai no espaço. A racionalidade da palestra é engolida pelo “Feitiço de Soma”. As duas palestrantes, agora agentes deste feitiço, performam magias para curar-se do vírus infectando todes.
A livre associação do HIV/AIDS com pessoas dissidentes da norma (sexual, de gênero, classe e raça), em sua maioria bixas, pessoas trans e/ou racializadas como pretas, além de tentar construir um processo higienista que marca tais corpos enquanto “sujos”, corrobora também para um projeto de extermínio e criminalização deste recorte populacional.
A situação se torna ainda mais complexa quando se percebe que as várias manifestações midiáticas que tem como objetivo combater os estereótipos do HIV/Aids acabam por ocultar a sorologia destes corpos que – mesmo permitida por lei -, ainda revela o medo social desse compartilhamento, um processo de invisibilização fomentado por anos de violência que repercutem ainda hoje.
Não enquadrar o debate sobre HIV/AIDS enquanto um tópico de saúde pública, mas sim com a premissa de se tratar de uma doença que se difunde apenas dentro de uma população já marginalizada, reflete nas formas com que corpos soropositivos são assimilados socialmente.
Na obra, o feitiço busca criar uma espécie de contaminação, como se numa dinâmica que faça o problema deixar de ser encarado de modo individual e seja visto como algo coletivo. “Existem indícios do feitiço desde o começo da peça, como uma carta de tarô gigante do Mago no centro do palco”, conta Aleph, reforçando que a obra vai aos poucos expondo elementos e signos que compõem a magia. Ao longo do trabalho, a DJ e produtora musical Nãovenhasemrosto, que está ao lado de Aleph no papel de uma interlocutora, traz elementos sonoros executados ao vivo na cena por Venus Garland (baterista) e Helena Menezes (baixista).
A sonoplastia da obra existe desde uma mix-tape preparada por Nãovenhasemrosto ainda em 2020 e que contaminou a forma com que Aleph estava escrevendo a dramaturgia da peça. “Essa mix-tape é uma provocação não-bibliográfica ou textual que até foi publicada junto com o livro”, diz Aleph.
A cena é composta ainda por danças executadas por Nata da Sociedade e oito TVs espalhadas no espaço que projetam gravações ao vivo, exibidas ao público em uma estética de VHS, além de sugerirem ações ao público por meio de uma função de teleprompter, já que a plateia é nomeada como a personagem assistente durante a peça.
Sobre a coletiva Rainha Kong
A Rainha Kong é uma coletiva de teatro e performance fundada em 2016, em Campinas – dentro do curso de Artes Cênicas da Unicamp – e que hoje está sediada na cidade de São Paulo.
O primeiro espetáculo da companhia, “O Bebê de Tarlatana Rosa”, estreou em 2016 no departamento de Artes Cênicas da Unicamp e se apresentou no FETO (Festival Estudantil de Teatro de Belo Horizonte – 2017), no Festival de Teatro Universitário da UFRN (2017), no Teatro de Contêiner em São Paulo (2017), na Mostra Todos os Gêneros, organizada pelo Itaú Cultural em São Paulo (2018), no SESC Pinheiros (2022), nos SESCs Piracicaba e Campinas por meio da Semana de Arte Transviada – projeto contemplado pelo ProAC –, e, em 2021, realizou, com apoio da 36 ª edição Lei de Fomento, temporada online nos teatros municipais paulistanos Arthur de Azevedo, Cacilda Becker, Alfredo Mesquita e João Caetano.
Em 2019, Aleph antialeph, integrante da Rainha Kong, foi contemplada com o edital ProAC nº 20/2019 para escrever e publicar a peça “Feitiço de Soma”, publicada pela editora Urutau.
Em 2020, a coletiva participou da série “Cena Inquieta”, veiculada pela SESC TV com direção de Toni Venturi e curadoria de Silvana Garcia. Neste mesmo ano, participou da mostra DRAMAQueer, organizada pelo CCSP, com a vídeo-performance “Rute Varadão Conta Evir Mancebo”.
Em 2021, como parte do projeto “As Histórias Vistas de Baixo”, contemplado pela 36 ª edição da Lei de Fomento, a Rainha Kong realizou três aulas públicas com Helena Vieira, Ferdinando Martins e Ave Terrena, todas disponíveis no YouTube no canal da Casa 1. Realizou também a oficina de performance “As Histórias Vistas de Baixo”, que contou com a participação de diversos atores e performers, provocações de Daniel Veiga, Pedrx Galiza e Lino Calixto e uma mostra na LGBTflix. Em 2022, também por meio da Lei de Fomento, a Rainha Kong realizou temporada de 24 apresentações no TUSP e no Teatro João Caetano da peça “Sarah e Hagar decidem matar Abraão”, com direção de Diego Moschkovich.
Em 2023, a Coletiva foi contemplada pela 16ª Edição Prêmio Zé Renato para produção e temporada da peça de Aleph Antialeph, “Feitiço de Soma”. Essa será a primeira montagem a partir de um texto dramatúrgico escrito por uma das integrantes do grupo, dando não só continuidade, mas aprofundando a pesquisa da coletiva, que, desde o ano de sua fundação, em 2016, se dedica à pesquisa de corpas dissidentes e seus desdobramentos, tanto temáticos quanto estéticos, quando friccionados com a cena.
Ficha Técnica
Atuação – Nãovenhasemrosto e Aleph Antialeph
Dramaturgia – Aleph Antialeph
Direção e Encenação – Vitinho Rodrigues e Jaoa de Mello
Preparação Corporal – Helena Agalenéa
Iluminação – Felipe Tchaça
Sonoplastia – Nãovenhasemrosto
Figurino – Nilo Mendes Cavalcanti
Cenografia – Victor Paula
Assistente de Cenografia – Rey Silva
Contrarregra – Nata da Sociedade
Baterista – Venus Garland
Baixista – Helena Menezes
Designer Gráfico [Identidade Visual] – Gunshy
Fotografia [Identidade Visual] – Afrop
Registro Fotográfico e Fílmico da Peça – Noah Mancini
Vídeo Streaming – Vinicius Feitoza
Mediação dos Debates Públicos – Pisci Bruja
Assessoria de Imprensa – Márcia Marques (Canal Aberto)
Produção – Corpo Rastreado – Gabs Ambròzia.
Serviço:
Feitiço de Soma
Temporada: 10 de janeiro a 4 de fevereiro de 2024 – quarta a sábado, 20h; domingo, 19h
Local: TUSP Maria Antonia (R. Maria Antônia, 294 – Vila Buarque, São Paulo)
Ingressos gratuitos
Classificação indicativa: 14 anos | Duração: 70 min
(Fonte: Canal Aberto Comunicação)
Elias Andreato escreve e dirige espetáculo “O Antipássaro”, que enaltece a poesia de Orides Fontela
Nilton Bicudo. Foto: divulgação.
O Teatro Sérgio Cardoso recebe a obra teatral “O Antipássaro”, que traz à vida as palavras profundas e a existência marcante de Orides Fontela, uma das mais notáveis poetas do Brasil. Com estreia marcada para o dia 20 de janeiro, sábado, 18h, o espetáculo promete colocar em destaque não apenas a poesia de Orides, mas também sua visão artística, conferindo protagonismo ao universo feminino. O espetáculo tem roteiro e direção de Elias Andreato e é interpretado por Nilton Bicudo.
Orides Fontela, nascida em São João da Boa Vista (SP) em 21 de abril de 1940, enfrentou desafios notáveis como poeta, sendo frequentemente marginalizada no mundo acadêmico masculino. Sua vida foi marcada por períodos de solidão e pobreza refletidos de maneira filosófica e profunda em sua obra – seca e concisa – sobre a vida.
A dramatização tem como ponto de partida a vida e obra desta renomada poeta brasileira cuja importância transcende fronteiras. Antonio Candido e Davi Arigucci Jr. reconheceram desde cedo a radical modernidade e a lucidez cortante de sua linguagem. Orides deixou um legado consistente, publicando volumes incontornáveis de poemas, como “Transposição” (1969), “Helianto” (1973), “Alba” (1983 – vencedor do Prêmio Jabuti), “Rosácea” (1986) e “Teia” (1996), além de dezenas de poemas inéditos que combinam densidade e clareza, aspereza e beleza.
O evento também lança luz sobre aspectos menos conhecidos da vida de Orides Fontela. Filha de um pai operário e analfabeto, iniciou sua jornada literária aos sete anos. Estudou filosofia na USP, foi professora primária, mas detestava lecionar. Morou no CRUSP e no Centro Acadêmico XI de Agosto, teve poucos amigos e era conhecida por ser “de difícil convivência”. Suas palavras revelam a dureza de uma vida marcada pela pobreza, como quando morou na Cesário Mota ao lado do Minhocão, tendo a luz cortada várias vezes por falta de pagamento.
O destino trágico da poeta também é abordado. Orides Fontela faleceu em 12 de outubro de 1998, vítima de tuberculose, no Sanatorinhos de Campos do Jordão. Quase foi enterrada como indigente, mas um exemplar de seu livro “Teia”, encontrado por uma enfermeira, evitou esse desfecho. Amou gatos, mas não teve a mesma afinidade com as pessoas. Foi atropelada por quatro vezes ao longo de sua vida.
Em suas próprias palavras, Fontela expressou: “Quero morrer sem obedecer a ninguém, sou o próprio coração selvagem”. Ela lamentou a necessidade de viver de prosa, cuidando da vida e transformando o verbo em verba. Em um país que a tratou não apenas como poeta, mas como um caso humano, ela refletiu sobre o cansaço do folclore que a envolvia, destacando que seu maior fracasso era não ser ateia.
Ficha técnica
Roteiro e direção: Elias Andreato, baseado na obra e vida da poeta Orides Fontela
Com: Nilton Bicudo
Luz e cenário: Elias Andreato
Música: Jonatan Harold
Fotografia: Adriano Escanhuela
Designer gráfico: Keren Ora Karman
Figurino: Marcelo Leão
Produção: Rosa Vermelha Produções Artísticas.
Serviço:
O Antipassáro
Local: Teatro Sérgio Cardoso – Sala Paschoal Carlos Magno
Endereço: R. Rui Barbosa, 153 – Bela Vista, São Paulo – SP
Data: 20 de janeiro a 3 de março de 2024, sábados e domingos, às 18h
Ingressos: R$40 (inteira) e R$20 (meia)| Sympla
Duração: 60 minutos
Classificação indicativa: 12 anos
Capacidade da Sala: 143 lugares + 6 espaços de cadeirantes
(Fonte: Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo)
Performance “CONTRA XAWARA – Deus das Doenças ou da Troca Injusta” faz estreia de temporada no Sesc Ipiranga
Fotos: Mylena Sousa.
Na história da América Latina, indígenas morreram ao primeiro contato com o homem branco. Por isso, o multiartista Juão Nyn criou uma performance que problematizasse as primeiras colonizações europeias e, ao mesmo tempo, mostrasse os reflexos desse momento nos dias de hoje. Nasceu assim “CONTRA XAWARA – Deus das Doenças ou da Troca Injusta”, que faz sua estreia de temporada no Auditório do Sesc Ipiranga com apresentações de 5 de janeiro a 4 de fevereiro, às sextas, às 21h30, e, aos sábados e domingos, às 18h30.
Xawara é o deus das doenças na cosmovisão Yanomami. E como a aproximação entre indígenas e brancos teve como uma das consequências a introdução de várias doenças virulentas e bacteriológicas entre os seus antepassados, Nyn escolheu o nome “Contra Xawara” para o seu trabalho, significando contra-a-epidemia.
Sobre a performance
Para representar a divindade, o performer construiu um cocar com 120 seringas. Ao final da ação, ele propõe um escambo entre as agulhas da peça e os itens de roupas ou acessórios do público. Em um primeiro momento, esses objetos são expostos juntos no corpo do artista, em um acúmulo que não só o soterra como o transforma em uma espécie de assombração consumista.
Depois, a farsa é revelada e esses materiais ficam acomodados em uma mesa de exposição para quem quiser pegar de volta seus pertences, desequilibrando mais ainda a troca. “Eu também queria problematizar essa ideia estigmatizada de que os indígenas do passado trocaram ouro e os seus pertences valiosos por espelhinhos. Afinal, não cultuávamos os mesmos deuses, não falávamos as mesmas línguas. Por que reagíramos todos iguais ao nos oferecerem esse tipo de objeto?”, defende Nyn.
Inclusive, muitas das suas obras buscam acabar com essa visão do indígena único. “Comecei a criar uma série de cocares feitos com os mais diversos itens para mostrar que temos as nossas particularidades. Por exemplo, não existem apenas cocares feitos de penas. Na realidade, não só nem todos os povos têm cocares, como eles podem ser feitos de vários materiais, como meu povo, Potyguara que usa palha de carnaúba”, acrescenta.
Por esse motivo, Juão também pensou em uma dramaturgia com ares de manifesto. “Fiz uma conexão espiritual entre os diversos povos indígenas como se estivéssemos ligados por rios suspensos. Esses rios são uma metáfora para o mundo onírico, que é esse território que nos permite ir mais longe e não ficarmos somente sonhando com nós mesmos. Inclusive, essa é uma grande diferença em relação aos brancos, que só sonham consigo mesmos e não conseguem perceber os sinais da natureza, por exemplo”, detalha.
A presença do som
A performance CONTRA XAWARA – Deus das Doenças ou da Troca Injusta dura entre 40 e 60 minutos. Juão Nyn adentra o espaço fazendo uma caminhada lenta. Enquanto percorre o ambiente, a musicista transvestigenere Malka Julieta executa ao vivo, no piano, a trilha sonora composta exclusivamente para o espetáculo.
Outro elemento importante para a ação é a presença de um tambor-boneco em forma de humano. A cada batucada de Nyn, esse parceiro de cena sangra. A mágica acontece porque ele é revestido pelo Bloody Bath Mat, um tapete que fica vermelho ao entrar em contato com água – um produto vendido para fãs de produções de terror.
Esse trabalho já teve apresentações pontuais no Dona Ruth: Festival de Teatro Negro de São Paulo, FIT BH e no Festival TePI – Teatro e os Povos Indígenas e, pela primeira vez, faz sua estreia em uma grande temporada, com 16 apresentações. A ação integra a programação paralela da Exposição “Araetá – A Literatura dos Povos Originários”.
Sinopse | Não estávamos todos nus, não cultuávamos os mesmos deuses, não falávamos as mesmas línguas; por que reagíramos todos iguais ao nos oferecerem um espelhinho? O corpo é terra, mas também pode ser Caravela.
Em CONTRA XAWARA, o ano é 2024, mas poderia ser 1492. O colonizador tem a chance de se rever no espelho que abandonou e descobrir se o próprio reflexo é igual ao de todos os outros que vieram dentro das Caravelas que são.
Sobre Juão Nyn | Juão Nyn é multiartista, Potyguar/a, 34 anos, ativista comunicador do movimento Indígena do RN, integrante do Coletivo Estopô Balaio de Criação, Memória e Narrativa e vocalista/compositor da banda Androyde Sem Par, há 10 anos em trânsito entre RN e SP. Em 2021 lançou a dramaturgia de estreia, chamada “TYBYRA – uma tragédia Indígena Brasileira” e está como Mestre na Escola Livre de Teatro com o terreiro “Teatro Contracolonyal”.
Ficha Técnica
Manifesto e performance: Juão Nyn
Contrarregragem: Mara Carvalho
Paramentação: Mbodjape
Iluminação: Rodrigo Silbat
Trilha sonora: Malka Julieta
Cantos em Tupi: Juão Nyn – Nhe’etimbó
Vídeo arte: Daniel Minchoni e Flávio Alziro
Projeção mapeada: Flávio Alziro
Operação de áudio: Jo.mo Faustino
Assessoria de imprensa: Márcia Marques – Canal Aberto
Cenotécnico: Enrique Casas
Produção Executiva: Wemerson Nunes – WN Produções
Serviço:
CONTRA XAWARA – Deus das Doenças ou da Troca Injusta
De 5 de janeiro a 4 de fevereiro, às sextas, às 21h30, e, aos sábados e domingos, às 18h30
Local: Sesc Ipiranga – Auditório – Rua Bom Pastor, 822, Ipiranga, São Paulo/ SP
Duração: 60 minutos
Classificação Indicativa: 14 anos
Ingressos: R$40 (inteira), R$20 (meia-entrada) e R$12 (credencial plena) | Vendas nas bilheterias das unidades do Sesc e no link https://www.sescsp.org.br/programacao/contra-xawara-deus-das-doencas-ou-troca-injusta-2/.
(Fonte: Canal Aberto Assessoria de Imprensa)
[Férias] MIS oferece cursos sobre Bowie, Sofia Coppola, filmes de terror e muito mais
Que tal começar o ano com foco nos estudos? Em janeiro, o Museu da Imagem e do Som – MIS oferece uma leva de cursos de diferentes áreas do conhecimento. Os destaques vão desde aulas sobre fotografia básica e escrita criativa até cursos temáticos sobre David Bowie, Sofia Coppola e cinema de terror. Ao longo do ano, a instituição oferece uma gama cursos práticos e teóricos nas áreas de fotografia, cinema, música, videoclipes, história da arte, escrita e cultura geek, entre outras. Confira abaixo todas as opções de janeiro. Outros detalhes, como valores, datas, duração dos cursos e descontos, podem ser conferidos no site do museu: https://mis-sp.org.br/cursos/.
Maquiagem básica de efeitos especiais para terror | O curso tem como objetivo levar os participantes a um mergulho nessa técnica que remonta aos primórdios do cinema. Para tanto, serão abordados os maquiadores pioneiros e suas técnicas, assim como técnicas contemporâneas e truques com uso de materiais simples e muito eficazes. No decorrer das aulas, todos poderão experimentar as técnicas de forma prática usando material que será cedido durante o curso.
Estratégias de comunicação digital | Entenda como funciona, para que serve e como utilizar a comunicação e os espaços digitais a favor da divulgação do seu trabalho. Por meio de técnicas de comunicação e marketing, os alunos serão orientados a identificar com clareza a mensagem que o artista ou projeto deseja transmitir e como montar um planejamento baseado nas estratégias de comunicação digital. Combinando conceitos teóricos e diferentes processos e boas práticas, o aluno vai saber como montar um planejamento básico de comunicação para ajudar a atingir seus objetivos, sejam eles de divulgação, relacionamento, posicionamento e imagem, venda ou ampliação de alcance para redes sociais. Serão apresentados dicas, ferramentas, processos e estudos de casos para gerar ideias, planos e estratégias.
Fotos: divulgação/MIS.
David Bowie Blackstar: a obra tardia | Voltado para quem se interessa por psicologia da arte, música popular e também para fãs de David Bowie, este curso avalia o processo de construção da obra tardia do artista a partir do conceito de “estilo tardio”, avaliando os aspectos sociais e psicológicos da confissão final de Bowie sob a ótica do que se entende como um estilo de “composição confessional”. Com base nos conhecimentos da musicoterapia e da psicologia, o repertório dos álbuns “The Next Day” (2013) e “Blackstar” (2016) serão analisados levando em conta tanto aspectos musicais (melodia, harmonia, arranjo, interpretação, instrumentação), como técnicos (captação, mixagem) e líricos (texto/letra), sempre no contexto do histórico de seu autor.
Desvendando um subgênero: slasher movie | Por meio do slasher movie, o curso abordará como se dá a formação de um subgênero cinematográfico de sucesso desde suas origens em fontes muito diversas às transformações e inovações ao longo das décadas. Por meio de seu histórico de êxito, declínio e renascimento, será demonstrado como sua estrutura narrativa foi capaz de se adaptar a cada época sem perder as características que a definem. Será analisado de que forma a metalinguagem cinematográfica – o cinema falando do próprio cinema – pode ser utilizada como uma nova abordagem de fórmulas já conhecidas. E, ao serem elucidadas a estrutura narrativa, os contextos históricos e os modos de produção de um subgênero altamente lucrativo, será possível proporcionar um referencial para a adaptação de tal modelo ao contexto de produção nacional, especialmente num momento em que os players do mercado buscam cada vez mais obras de gênero com linguagem brasileira.
Roteiro para internet: explorando as diversas linguagens do universo digital | O curso tem o intuito de navegar pelas diversas linguagens do universo digital e refletir sobre as características de cada plataforma: Youtube, Instagram, TikTok e KWAI – quais são suas semelhanças, diferenças, estruturas, formatos e especificidades – passando por conteúdos solos, webséries e branded content. Ao final do curso, os alunos estarão aptos para desenvolver seus próprios roteiros para as multiplataformas digitais.
Curso básico de fotografia – da regulação ao primeiro clique | O objetivo do curso é mostrar ao aluno os pilares da fotografia, ensinando-o a operar a câmera no modo manual: ISO, velocidade, abertura do diafragma, distância focal, profundidade de campo, fotometria interna da câmera, tipo e tamanho de arquivo na câmera digital – tudo para que o aluno possa trabalhar com as diferentes possibilidades que o acerto da câmera oferece, de modo que ele possa, de fato, iniciar a fotografar de maneira criativa e consciente. Serão apresentados aos alunos diferentes tipos de aparelhos fotográficos, bem como suas funções básicas. Na aula prática, visa-se treinar o olhar, direcionar o motivo e, dependendo do tipo de abordagem, será escolhida uma locação externa com luz natural para os alunos treinarem o conhecimento adquirido nas aulas anteriores.
Escrita criativa: criando histórias a partir da memória | O curso aborda a interpretação de uma forma ampla, levando em consideração várias linguagens e usando recursos como vídeos, curtas-metragens, tirinhas, textos, atividades e experiências dos alunos para que possam ser transformados em debates e produção textual. Antes mesmo de escrever, é necessário aguçar a maneira como interpretamos o mundo à nossa volta.
O cinema de Sofia Coppola | Aproveitando a estreia de “Priscilla”, este curso busca dissecar alguns dos elementos mais importantes da cinematografia de Sofia Coppola, da trilha sonora aos recursos visuais que a tornam uma das grandes diretoras contemporâneas. As aulas abordarão os filmes iniciais de sua carreira até os mais recentes, com um olhar crítico baseado nas teorias da estética, semiótica e psicanálise.
Uma breve história da monstruosidade | Monstros sempre povoaram o imaginário de inúmeras sociedades e povos. Mas de onde eles surgem e por que nos assombram até hoje? Em seis encontros, o curso irá mergulhar nas narrativas monstruosas mais famosas do mundo, nas formas como foram adaptadas até hoje e nos temas universais que elas contemplam. De “Drácula” a “Monstros S/A”, por que amamos essas criaturas tão estranhas?
A programação é uma realização do Governo do Estado de São Paulo por meio da Secretaria de Cultura e Economia Criativa de São Paulo e Museu da Imagem e do Som.
Sobre o Clube MIS
O Clube MIS é o programa de sócios do Museu da Imagem e do Som de São Paulo. Sendo membro, você possui acesso livre a todas as exposições do MIS e do MIS Experience, desconto nos Cursos MIS e benefícios em mais de 40 instituições parceiras, incluindo museus, teatros, cinemas, casas de show e muito mais. Conheça: clubemis.com.br.
(Fonte: Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo)
Acervo digital do Museu do Ipiranga revela sua coleção de artefatos e imagens
Explorando a riqueza da história brasileira, acervo online reúne documentos iconográficos, textuais e tridimensionais. Foto: divulgação.
Com um acervo de cerca de 400 mil itens, o Museu do Ipiranga é uma referência para a história do imaginário e da cultura material do Brasil e de São Paulo. Esse importante acervo material está disponível no catálogo digital do Museu Paulista, organizado em três tipologias documentais: documentos iconográficos, textuais e tridimensionais.
O acervo digital de documentos iconográficos reúne variada tipologia de técnicas de documentos produzidos entre os séculos 19 e 20 principalmente. O acervo de pintura e desenhos compõe-se de obras a óleo, aquarela, guache, mural, pastel, carvão e grafite. As coleções fotográficas abrangem técnicas e formatos do século 19 e meados do século 20, como daguerreótipos, negativos de vidro e acetato, além de fotogravuras e fotografias em carvão. Já o acervo cartográfico reúne plantas e mapas relativos à cidade e ao estado de São Paulo.
Com instrumentos de pesquisa disponíveis para download, o Museu possui grande acervo de documentação textual, organizados em mais de duas centenas de coleções e fundos de arquivo públicos e privados. Os fundos e coleções reúnem ofícios e correspondências de políticos ligados ao Movimento de Independência e outros fatos políticos e administrativos do país. Também há documentos oriundos de arquivos pessoais de brasileiras e brasileiros e documentos relativos à construção do edifício que abriga o Museu, além de boletins, ofícios, telegramas e diários de campo referentes à Revolução Constitucionalista de 1932.
Por fim, a plataforma digital reúne uma enorme variedade de objetos produzidos entre os séculos 16 e 20. A coleção relacionada ao espaço doméstico contempla itens como serviços de jantar, chá e café, brinquedos, mobiliário, decoração, indumentária civil e militar, objetos de uso pessoal e equipamentos. Para o estudo das formas de trabalho e dos espaços públicos, o acervo reúne carruagem, cadeirinhas de arruar, veículos de bombeiros e serviço sanitário, ferramentas e equipamentos de ofícios urbanos tais como tipografia, alfaiataria, pintura decorativa, marcenaria e sapataria.
A professora Solange Ferraz de Lima, presidente da Comissão de Extensão e Cultura do Museu Paulista e coordenadora do Grupo de Trabalho de Estratégias Digitais da instituição, conta que o repositório digital referencia dados sobre coleta, contextos e identificação dos itens preservados pelo Museu. “O repositório digital garante o acesso público ao nosso acervo, que é muito diversificado e possui itens que ninguém imagina que temos”, explica. “Como o museu foi construído como um monumento à independência, é natural que grande parte do público pense que a instituição conta com acervo somente da época, quando na verdade somos um museu universitário com história material e objetos do cotidiano até o século 20. Por meio das chamadas curadorias digitais, fazemos um convite para o público conhecer melhor não só o diversificado e valioso acervo legado para o museu pela sociedade brasileira, mas também as pesquisas que desenvolvemos a partir dele”, conclui Solange. O acervo digital pode ser acessado no site do Museu do Ipiranga.
Foto: Natalia Cesar.
Sobre o Museu do Ipiranga – USP | O Museu do Ipiranga é a sede do Museu Paulista da Universidade de São Paulo. As obras de restauro, ampliação e modernização do Museu foram financiadas via Lei Federal de Incentivo à Cultura. O edifício, tombado pelo patrimônio histórico municipal, estadual e federal, foi construído entre 1885 e 1890 e está situado dentro do complexo do Parque Independência. Concebido originalmente como um monumento à Independência, tornou-se em 1895 a sede do Museu do Estado, criado dois anos antes, sendo o museu público mais antigo de São Paulo e um dos mais antigos do país. Está, desde 1963, sob a administração da USP, atendendo às funções de ensino, pesquisa e extensão, pilares de atuação da Universidade. Rua dos Patriotas, 100
(Fonte: Ex-Libris Comunicação Integrada)