São Paulo, SP
Ação faz parte do fenômeno editorial “Café com Deus Pai 2026” e propõe uma onda de gentileza em todo o Brasil
Campinas, SP
Alterações visuais podem ocorrer, especialmente em contextos de mudanças rápidas no organismo
São Paulo, SP
Levantamento revela a preferência nacional pelos vira-latas, mas alerta que dificuldades financeiras e problemas de comportamento ainda ameaçam a posse responsável pós-adoção
Campinas
Evento gratuito do Instituto de Física Gleb Wataghin celebra o Dia Internacional das Mulheres e é voltado a professores e professoras do Ensino Médio, e demais interessados no assunto
Grenchen, Suíça
Antes que os relógios funcionais se tornassem símbolos de estilo, Davis usava o Breitling Navitimer ref. 806 Mk5, transformando um instrumento de piloto em uma expressão de estilo
São Paulo, SP
Com curadoria de Maria Alice Milliet, exposição reúne obras de artistas históricas e contemporâneas e ocupa simultaneamente as duas unidades da galeria em São Paulo
São Paulo, SP
Com texto e direção de André Curti e Artur Luanda Ribeiro, peça reflete sobre o corpo que resiste e o desejo de pertencimento em um tempo em colapso total. Em cena, ator pedala em uma bicicleta que gera energia para abastecer a própria luz do espetáculo
Hamburgo, Alemanha
Maison traz seu universo imersivo de escrita, viagens e artesanato para o coração de Hamburgo com um pop-up que celebra os 100 anos da linha de artigos de couro da Montblanc.
Itália
Reservas de experiências na Itália crescem 40% entre janeiro e agosto de 2026; efeito do Jubileu, mais voos e o avanço de cidades como Florença, Milão e Nápoles explicam a virada
Espírito Santo
Roteiro combina trilhas em áreas preservadas de Mata Atlântica, gastronomia de território, agroturismo e hospedagens integradas à paisagem entre Vargem Alta, Pedra Azul, Domingos Martins e Castelo.
Lisboa, Portugal
Um dos endereços mais exclusivos do universo JNcQUOI combina gastronomia, arquitetura e arte em uma experiência imersiva comandada pelo chef Filipe Carvalho
Lima Duarte, MG
Grutas esculpidas em quartzito, uma formação geológica rara, transforma cada trilha em uma verdadeira viagem pela história da Terra.
Oranjestad, Aruba
Aruba é uma das únicas nações insulares cujo todo o território possui o título
Toledo, PR
Microplásticos já foram identificados em sal de cozinha, açúcar, água potável, cerveja, frutas, vegetais e alimentos ultraprocessados
Recife, PE
Fundação Ellen MacArthur está firmando uma parceria com a Prefeitura do Recife e com o governo federal para aproveitar descobertas de um novo relatório para enfrentar resíduos e poluição plástica
Antonina, PR
Segunda fase do projeto Olha o Clima, Litoral! prevê restauração de ecossistemas costeiros, apoio aos municípios, mobilização de pescadores e novas ações de educação ambiental
Luísa Matsushita estreia “Tudo que eu sei, eu aprendi à noite” em mostra inédita concebida especialmente para o edifício. Foto: Ruy Teixeira
A plataforma Aberto lança a Aberto Solo, iniciativa dedicada à realização de exposições individuais concebidas a partir do diálogo entre artistas contemporâneos e espaços singulares da cidade. Sua primeira edição acontece em parceria com o Cultura Artística e marca a inauguração da nova área expositiva da instituição, localizada no primeiro andar do edifício.
Em cartaz entre 15 de agosto e 27 de setembro, “Tudo que eu sei, eu aprendi à noite”, de Luísa Matsushita, inaugura simultaneamente o programa e o novo espaço. Previsto no projeto original concebido por Rino Levi na década de 1950, o ambiente ganha vida mais de 70 anos depois de sua criação, ampliando a atuação do Cultura Artística e incorporando de forma permanente as artes visuais à sua programação.
Obra “Três abraços”, 2026. Foto: Erika Mayumi.
A inauguração concretiza uma vocação histórica do edifício. Desde sua origem, o projeto de Rino Levi propunha a integração entre arquitetura, arte e vida cultural, entendendo as artes plásticas como elemento constitutivo da experiência do público. A ativação dessa área resgata e atualiza essa visão, estabelecendo um diálogo entre o patrimônio modernista e a produção artística contemporânea. “Com Aberto Solo, inauguramos um novo capítulo da plataforma. Enquanto as edições principais reúnem diversos artistas em diálogo com arquiteturas de grande relevância, este formato nos permite aprofundar a pesquisa e o universo de um único artista”, explica Filipe Assis, idealizador e diretor geral da Aberto.
Conhecida internacionalmente como Lovefoxxx, vocalista da banda Cansei de Ser Sexy (CSS), Luísa Matsushita apresenta um conjunto de pinturas inéditas produzidas especialmente para o Cultura Artística. As obras partem de suas memórias afetivas do centro de São Paulo e da intensa vida noturna do Baixo Augusta, região onde viveu no início de sua trajetória artística.
Foi justamente na Rua Augusta, onde acompanhou de perto o renascimento da cena noturna paulistana nos anos 2000, que Matsushita reuniu o repertório de imagens que hoje viram pintura. “Os ritmos dos notívagos, a vida no clube, suas personagens e suas descontinuidades são traduzidos para uma linguagem pictórica abstrata”, descreve o crítico Rodrigo Moura, autor do texto que acompanha a mostra, sobre obras com títulos como Antes da noite e Fila do baile.
“O dia não sustentou o que a noite esboçou”, 2026. Foto: Erika Mayumi.
Além do conjunto de obras da mostra, a artista criará uma instalação site-specific de 15 metros de largura para o saguão principal do Teatro, expandindo a ocupação para além da sala expositiva e estabelecendo um diálogo direto com a arquitetura do edifício. A intervenção reforça a proposta da Aberto Solo de desenvolver projetos concebidos em estreita relação com os espaços que os recebem.
As telas são construídas por camadas sucessivas de tinta a óleo, aplicadas lentamente até que os campos de cor se encostem sem nunca se misturar — uma economia de meios que, na leitura do crítico Rodrigo Moura, aproxima o trabalho de uma linhagem da abstração brasileira que passa por Cícero Dias, Roberto Burle Marx, Lygia Clark e Ernesto Neto. Para Moura, o controle preciso dessas variáveis formais, somado aos títulos hiper-sugestivos das obras, faz de Matsushita “uma voz fresca entre os pintores de sua geração que optaram pela abstração”.
Ao ocupar a nova área expositiva do Cultura Artística, a mostra estabelece conexões entre memória, cidade e experiência urbana. Ao mesmo tempo, inaugura um programa que pretende aproximar artistas contemporâneos de arquiteturas e contextos carregados de história, ampliando as formas de encontro entre arte e público.
“Antes da noite”, 2026. Foto: Erika Mayumi.
A abertura marca um novo capítulo na trajetória do Cultura Artística, reconstruído e reinaugurado após o incêndio de 2008, e reforça sua vocação como um espaço aberto à cidade, conectado à produção contemporânea e à intensa circulação cultural de seu entorno.
A iniciativa também reativa uma dimensão histórica da instituição, cuja identidade visual é marcada pelo painel Alegoria das Artes, de Di Cavalcanti — o maior já realizado pelo artista. Ao inaugurar sua frente dedicada às artes visuais em parceria com a Aberto, o Teatro amplia seu papel como ponto de encontro entre patrimônio, arte contemporânea e cidade, reafirmando sua vocação para o diálogo entre diferentes linguagens artísticas.
Um detalhe guardado a sete chaves até pouco antes da abertura: na instalação do foyer, a artista escondeu uma mensagem secreta que só aparece no reflexo do chão. Como ela mesma contou ao crítico Rodrigo Moura, autor do texto que acompanha a exposição, está escrito ali um simples “Você veio”.
Exposição dá origem a colaborações inéditas
“Espiral de veludo”, 2026. Foto: Erika Mayumi.
A primeira edição da Aberto Solo também reúne iniciativas desenvolvidas em parceria com marcas que compartilham o interesse pelo diálogo entre arte, design e criatividade. As colaborações expandem a pesquisa de Luísa Matsushita para diferentes suportes, aproximando sua produção de tradições artesanais e do universo da joalheria.
Em parceria com a Bordallo Pinheiro, a artista apresenta Memória de Planta, obra que revisita um dos símbolos mais emblemáticos da marca: a folha de couve. Desenvolvida a partir de residências artísticas promovidas na Fábrica de Faianças em Caldas da Rainha, Portugal, a peça propõe uma leitura contemporânea desse ícone. “A couve é um símbolo da Bordallo Pinheiro e eu quis retrabalhar esse ícone a partir de uma visão contemporânea. Se você se permitir olhar, dá para ver todo um universo dentro delas, como os afluentes desaguando em um rio, como veias de um corpo”, afirma a artista.
A pesquisa de Matsushita também inspira uma colaboração inédita com a HStern. A partir da pintura Hambagu (2023), a joalheria desenvolveu uma pulseira que transpõe para a escala do corpo as formas e relações cromáticas presentes na obra. Produzidas em Prata de Lei e composta por rubis, esmeraldas e safiras azuis e amarelas, a joia traduz o universo visual da artista e reafirma o diálogo entre a arte contemporânea, design e alta joalheria.
Sobre a Aberto
Fundada por Filipe Assis, a Aberto é uma plataforma expositiva dedicada à arte e ao design brasileiros em diálogo com arquiteturas emblemáticas. Desde 2022, realizou exposições em casas modernistas assinadas por arquitetos como Oscar Niemeyer e Vilanova Artigas, além de ocupar espaços ligados aos legados de Tomie Ohtake e Chu Ming Silveira. Em 2025, a plataforma realizou sua primeira edição internacional na Maison La Roche, projetada por Le Corbusier, em Paris, registrando o maior público desde a abertura da casa à visitação, em 1968. Em 2026, apresentou uma edição especial na Casa Bola, de Eduardo Longo, e lançou o projeto ABERTO RUA, dedicado a intervenções artísticas no espaço urbano.
Sobre o Cultura Artística
Fundado em 1912, o Cultura Artística é um espaço dedicado à música e à formação de público, reconhecido por sua atuação na difusão de repertórios e na construção de experiências musicais relevantes. Ao longo de sua trajetória, consolidou-se como um dos principais palcos do país, reunindo artistas nacionais e internacionais. Reaberto em agosto de 2024, o teatro reafirma sua vocação ao mesmo tempo em que amplia sua programação, incorporando novas frentes e linguagens. Saiba mais em https://culturaartistica.org.
Sobre a artista
Foto: Pedro Bucher.
Luísa Matsushita desenvolve uma pintura marcada por composições vibrantes, nas quais cor, gesto e humor transformam elementos cotidianos em formas autônomas e singulares. Sua pesquisa explora as relações entre campos tonais e a capacidade da pintura de criar espaços íntimos, imaginários e afetivos.
Artista visual, musicista e autodidata, vive e trabalha em São Paulo. Cofundadora da banda Cansei de Ser Sexy, também foi conhecida internacionalmente como Lovefoxxx, construindo uma trajetória na música antes de direcionar sua atuação para as artes visuais. Paralelamente, aprofundou pesquisas em sustentabilidade, bioconstrução e agroecologia.
Desde 2013, desenvolve sua prática pictórica e realizou exposições individuais como Se não for pra chorar, eu nem saio de casa (Galeria Luisa Strina, São Paulo, 2023), ELA (Galerie L’Amazonie, Manaus, 2015) e Animal (Percy Gallery, Oakland, EUA, 2014). Em 2015, participou da residência artística Igarapé do Mariano, em Manaus, ampliando sua investigação sobre meio ambiente e natureza. Atualmente é representada pela galeria Mazzucchelli Cardoso.
SERVIÇO:
Aberto Solo – Tudo que eu sei, eu aprendi à noite, de Luísa Matsushita
Abertura: 15 de agosto, a partir das 13h
Período expositivo: até 27 de setembro
Cultura Artística – R. Nestor Pestana, 196, Consolação, São Paulo, SP
Tel.: +55 (11) 3256-0223
Grátis
Horários: Quarta a sexta, das 12h às 20h; sábados, das 10h às 20h; domingos, das 10h às 18h.
(Com Patrícia Marrese/Cor Comunicação)
Aretha Sadick em cena de Lady Macbeth: Um Ensaio Sobre o Poder. Foto: Cacá Berrnardes
O que uma pessoa é capaz de fazer para chegar ao poder? E o que acontece quando finalmente consegue? Essas são algumas das questões que movem “Lady Macbeth: Um Ensaio Sobre o Poder”, espetáculo protagonizado por Aretha Sadick, com direção de Tainara Cerqueira e tradução e adaptação de Rodrigo França, que estreia no Sesc Ipiranga no dia 21 de agosto, com temporada até 13 de setembro de 2026.
Em Macbeth, uma das tragédias mais conhecidas de William Shakespeare, a ambição pelo trono desencadeia uma sequência de assassinatos e conduz o casal protagonista à destruição. Lady Macbeth ocupa papel decisivo nesse percurso: é ela quem transforma a possibilidade sugerida pela profecia em plano de ação e pressiona o marido a ultrapassar o limite entre desejar o poder e agir para conquistá-lo. A própria tradição crítica da obra costuma associá-la à ambição e à manipulação, mas leituras contemporâneas têm ampliado a discussão sobre gênero, poder e responsabilidade na tragédia.
É justamente essa personagem, Lady Macbeth, que a montagem coloca no centro. Em vez de reproduzir a tragédia de Shakespeare, a peça parte dos principais monólogos da personagem para construir uma reflexão sobre os mecanismos da ambição. O texto preserva passagens fundamentais da obra original, especialmente aquelas ligadas ao planejamento dos crimes, mas Rodrigo França acrescenta reflexões de caráter filosófico e sociológico que funcionam como uma espécie de comentário sobre a própria ação.
A mudança de perspectiva também altera a relação com a história conhecida. Macbeth não aparece em cena, embora esteja presente como um espectro com quem Lady Macbeth dialoga. A personagem recebe a carta do marido e, a partir dela, começa a preparar o discurso que usará para convencê-lo a assassinar o rei Duncan. As bruxas são interpretadas pela própria Aretha e aparecem no início da montagem. A história é organizada em cinco atos e uma cena final, acompanhando a personagem desde a preparação do crime até o momento posterior à conquista da coroa.
A encenação
Uma situação cotidiana dá início ao espetáculo: Lady Macbeth toma banho. A banheira, o espelho e uma escada compõem um espaço íntimo que progressivamente se transforma em território de disputa pelo poder. A escada ganha diferentes significados ao longo da peça, associada tanto à ascensão ao trono quanto à presença de Macbeth. É nesse ambiente que a personagem passa da intimidade à estratégia, da estratégia ao crime e, finalmente, à necessidade de sustentar aquilo que conquistou.
Em determinado momento, Lady Macbeth se transforma diante do público: Aretha aplica maquiagem branca no rosto e no corpo e coloca uma peruca loira para construir a imagem de uma figura associada ao poder. A cena estabelece uma relação com a história de Chica da Silva e com a reflexão de Frantz Fanon sobre os mecanismos de assimilação e a construção de uma aparência associada à branquitude como forma de acesso a espaços de poder.
A escolha de uma atriz negra para interpretar Lady Macbeth interfere na própria leitura da personagem. Se, na obra de Shakespeare, Lady Macbeth deseja a coroa e está disposta a ultrapassar limites para conquistá-la, a montagem acrescenta outra camada à pergunta: o que significa desejar um lugar de poder quando esse lugar foi historicamente construído a partir da exclusão de determinados corpos?
Essa perspectiva também atravessa a equipe criativa. A direção de Tainara Cerqueira, desenvolvida em colaboração com Rodrigo França, parte do corpo e do movimento para transformar texto, intenção e estado emocional em ação. A diretora, cuja pesquisa passa pela dança e pelos corpos negros em cena, trabalha com Aretha uma transformação física que acompanha o percurso da personagem. O resultado é uma Lady Macbeth que não apenas fala sobre o poder, mas o experimenta corporalmente.
O figurino de Luiz Claudio Silva reforça essa trajetória. São três momentos principais: o primeiro, marcado por uma peça preta de caráter íntimo; o segundo, por um vestido azul usado quando Lady Macbeth se prepara para se tornar rainha; e o terceiro, por uma alfaiataria que aparece quando a personagem já alcançou o lugar que perseguia. O azul, associado historicamente à realeza e à ideia de “sangue azul”, também remete à construção cultural da cor como símbolo de distinção e poder.
A trilha sonora original de Dani Nega acompanha a estrutura da montagem. Em alguns momentos, ganha força e conduz o movimento da atriz; em outros, funciona como uma camada sonora contínua para os monólogos. A iluminação de Carol Gracindo segue uma lógica cinematográfica, com mudanças sutis de luz durante as cenas e longos períodos de permanência em um mesmo estado. A escolha dialoga com uma das características da montagem: em contraste com a velocidade das imagens contemporâneas, a peça propõe ao espectador permanecer diante de uma situação e observar suas transformações.
O ponto de virada da personagem acontece depois da conquista da coroa. Se, até então, sua existência estava organizada pela falta e pelo desejo de chegar ao poder, o que resta quando o objetivo é alcançado? A partir daí, a personagem começa a olhar para o próprio percurso e para o custo daquilo que fez. A pergunta que abriu sua trajetória retorna sob outra forma: depois de fazer tudo para chegar ao poder, o que fazer com ele?
Macbeth é uma obra frequentemente retomada por sua capacidade de produzir novas leituras sobre ambição, violência e poder. Para a Folger Shakespeare Library, a tragédia continua a falar a diferentes gerações justamente porque suas questões são continuamente deslocadas pelos contextos históricos e sociais em que é encenada. Em Lady Macbeth: Um Ensaio Sobre o Poder, esse deslocamento passa pelo corpo de Aretha Sadick e por uma pergunta que Shakespeare deixou aberta: até onde alguém está disposto a ir para conquistar aquilo que deseja?
Aretha Sadick
Aretha Sadick, atriz, participou em 2024 das séries “Reencarne” (Rede Globo), “Cidade de Deus” (MAX) e “Máscaras de oxigênio não cairão automaticamente” (MAX). Foi protagonista nos curtas “A Lama da Mãe Morta” e “Se eu tô aqui é por Mistério” (2023). Atuou na série infantil “A Caverna de Petra” (Canal Futura /Globoplay) e em participações nas séries “Me Chame de Bruna” (FOX) e “Os Ausentes” (MAX). No teatro, interpretou Macunaíma na “Ópera Tupi” (2019), foi coprotagonista em “Jorge Para Sempre Verão” (2022), integrou o elenco de “AQUI – elevado a 1 trilhão” (2024) e esteve no espetáculo ‘Avenida Paulista – da Consolação ao Paraíso’ dirigida por Felipe Hirsch. Em 2026 protagoniza no cinema os filmes “Baricentro”, com direção de Raphael Gustavo e Rochelle Silva, É Nois Kita Produções e Superketa, com direção de Gustavo Vinagre. E no teatro, estreia agora em agosto o monólogo “Lady Macbeth”, com direção de Rodrigo França e Tainara Cerqueira.
Ficha Técnica
A partir da obra de William Shakespeare
Tradução e Adaptação: Rodrigo França
Direção Cênica e Direção de Movimento: Tainara Cerqueira
Assistente de Direção: Priscila Borges
Atuação e Concepção Cenográfica: Aretha Sadick @arethasadick
Trilha Sonora Original: Dani Nega
Iluminação: Carol Gracindo
Figurino e Adereços: Luiz Claudio Silva
Visagista: Rosa Di Carlo
Técnico de Luz: Givva
Produção e Gestão Cultural: Dani Correia, Gabi Correia, Rachel Brumana e Veni Barbosa
Associação SÙ de Cultura e Educação
Direção de Produção: Sadick Produções.
SERVIÇO:
Lady Macbeth: Um Ensaio Sobre o Poder
Sesc Ipiranga
R. Bom Pastor, 822 – Ipiranga, São Paulo – SP, 04203-000
De 21/8 a 13/9/2026 | Sextas, às 21h; sábados e domingos, às 18h30
Valores: R$ 50 (inteira) / R$ 25 (meia) / R$ 15 (Credencial Plena)
Duração: 60min Recomendação: 16 anos.
(Com Daniele Valério/Canal Aberto Assessoria de Imprensa)
Fotos: Helena Wolfenson.
O artista Novíssimo Edgar,um dos nomes mais inventivos da cena contemporânea brasileira, e o premiado iluminador Wagner Antônio apresentam a obra inédita “Urutau”, no Instituto Capobianco. As sessões acontecem de sexta a domingo até 30 de agosto.
O espetáculo parte da história de um piano que deseja se transformar em um Urutau, pássaro de hábitos noturnos que dá nome à obra. A partir dessa narrativa, Edgar e Wagner constroem um território de investigação sonora e cênica, atravessado por cantos indígenas, hip hop, reggae, blues, música experimental e poesia falada. Luz, som, corpo e espaço se articulam em uma dramaturgia única, criando uma experiência sensorial que convida o público a percorrer diferentes camadas de percepção.
Novíssimo Edgar é músico, poeta, artista visual e performer, desenvolve uma produção que atravessa diferentes linguagens e já colaborou com artistas como Elza Soares, João Donato, Céu e BaianaSystem. Sua trajetória inclui exposições, instalações e performances em importantes instituições e eventos nacionais e internacionais, entre eles a apresentação no Vão Livre do MASP durante a Virada Cultural 2026, consolidando uma pesquisa marcada pelo diálogo entre música, performance e artes visuais.
Já Wagner Antônio é reconhecido por desenvolver uma pesquisa que articula teatro, instalação, performance e arquitetura da luz. Vencedor do Prêmio Shell de Teatro em 2025 e 2026, na categoria Iluminação, pelos espetáculos Filoctetes em Lemnos e Um Jaguar por Noite, o artista tem se destacado por criações que expandem as possibilidades da linguagem teatral a partir da relação entre luz, espaço e corpo.
O encontro entre os dois artistas também evidencia a potência de suas trajetórias. Em Urutau, as fronteiras entre concerto, teatro, performance e instalação se dissolvem, fazendo da obra uma experiência híbrida.
A obra integra o Vértice, novo programa anual de Residências Artísticas do Instituto Capobianco, que reúne música, teatro, performance, artes visuais e tecnologia. Realizado sempre no mês de agosto, o programa convida, a partir de 2026, um artista da música brasileira para desenvolver uma obra inédita, tendo a música como eixo de um processo de criação colaborativo e concebida especialmente para o espaço.
SERVIÇO:
Urutau
com Novíssimo Edgar e Wagner Antônio
Temporada: De 07 a 30/08
Sexta e sábado, 20h | domingo, 19h
Ingressos: R$30 inteira | R$15 (meia)
Instituto Capobianco
www.institutocapobianco.art.br
Rua Álvaro de Carvalho, 97 – Centro Histórico de São Paulo, São Paulo – SP
Café Capô
Sextas e sábados: 18h30 – 1h30
Domingos: 16h30 – 23h30.
(Com Valeria Blanco/Atti Comunicação)
Mostra resgata a trajetória e a história da produção do carro que marcou o início da indústria automobilística brasileira. Fotos: Divulgação.
A história do primeiro carro produzido no Brasil poderá ser conhecida de perto na exposição “Romi-Isetta 70 anos”, inaugurada no dia 14 de agosto no Tivoli Shopping, em Santa Bárbara d’Oeste (SP). A mostra marca o início das comemorações pelos 70 anos do lançamento da Romi-Isetta e reúne documentos de época, desenhos técnicos, fotos históricas e um exemplar do veículo fabricado em 1958.
Com entrada gratuita, a exposição resgata a história e apresenta ao público documentos e imagens que ajudam a compreender os desafios e o pioneirismo envolvidos na criação do primeiro carro produzido no país. A exposição ficará disponível para visitação na Entrada A do Tivoli Shopping até dia 30.
A produção do primeiro carro nacional foi iniciativa da Romi, fabricante de tornos e implementos agrícolas de Santa Bárbara d’Oeste (SP), fundada em 1930. No início de 1955, Américo Emílio Romi e seu enteado, Carlos Chiti, se interessaram por um revolucionário veículo urbano chamado Iso Isetta, fabricado na Itália. Importaram duas unidades para estudar sua produção local e, depois de testes e avaliações indicarem sua viabilidade, partiram para uma reunião na sede da empresa na Europa.
A ideia era produzir o veículo no Brasil em parceria, mas a Isetta não tinha recursos, dado o cenário da Itália pós-Segunda Guerra Mundial. Destemida, a Romi decidiu bancar a empreitada sozinha, obtendo a licença de fabricação e pagando 3% de royalties sobre cada unidade vendida.
A Romi, com muita determinação, conseguiu contratar diversos fornecedores nacionais, sendo o principal deles a paulistana Tecnogeral, que produzia as partes metálicas do carro como o chassi e a carroceria. Com isso, já em junho de 1956, a primeira unidade da Romi-Isetta deixava a linha de montagem de Santa Barbará d’Oeste, em um novo galpão erguido na Romi especialmente para esse fim. O lançamento oficial, porém, ainda esperaria mais três meses, para composição de estoque e constituição da rede de vendas e assistência técnica.
Antecipando tendências em várias frentes
A Romi-Isetta foi a precursora da mobilidade sustentável. Trata-se de um carro urbano, compacto, econômico – tanto no preço quanto no consumo –, prático, ágil, fácil de dirigir e estacionar e de manutenção simples.
O projeto herdou várias soluções técnicas da avançada indústria aeronáutica, origem de seu projetista, Ermenegildo Pretti. Alguns exemplos são a carroceria aerodinâmica, em forma de gota d’água, a porta única frontal (como dos aviões cargueiros), que facilitava o acesso ao interior do modelo ao mesmo tempo em que fortalecia a estrutura do veículo, a grande área envidraçada, como nos caças a jato, e o amplo uso de materiais mais leves e modernos, como o alumínio.
Por suas características únicas, a Romi-Isetta causou uma onda de paixão instantânea nos brasileiros. Além de aclamado pela imprensa e pelo setor industrial, a classe artística também abraçou o carrinho. Vários atores e atrizes muito famosos na época tiveram um Romi-Isetta ou participaram diretamente de suas atividades de divulgação, como Eva Wilma e John Herbert, o que contribuiu fortemente para a popularidade e carisma do modelo.
Avanços técnicos e o fim da produção
A primeira Romi-Isetta usava motor Iso dois tempos de 236 cm3 e 9,5 hp, com bloco e cabeçote em alumínio em posição central. A velocidade máxima era de 85 km/h e, graças ao seu baixo peso, de apenas 350 quilos, o consumo chegava a impressionantes 25 km/l.
Depois de algumas evoluções estéticas até 1958, em 1959 veio a maior mudança: foi lançada a Romi-Isetta 300 de Luxe, com motor BMW quatro tempos de 298 cm3 e 13 hp, que aumentou o desempenho sem sacrificar o consumo. Essa versão também recebeu diversas melhorias técnicas e estéticas, tanto no interior quanto no exterior.
Em 1961 a Romi-Isetta já havia cumprido, com amplo sucesso, seu papel de indutora da industrialização automobilística nacional, que então caminhava a passos largos graças à política desenvolvimentista adotada pelo governo JK. Em 13 de abril daquele ano o último Romi-Isetta, nas cores branco e amarelo-limão, deixou a linha de montagem para entrar definitivamente na história – que agora poderá ser revivida de perto, exatos 70 anos depois de seu lançamento, no Encontro Nacional de Romi-Isettas em Santa Barbará d’Oeste.
Exposição “Romi-Isetta 70 anos”
Local: Tivoli Shopping
Realização: Fundação Romi
Patrocínio: Azimut Brasil e Romi S.A.
Apoio: Tivoli Shopping, Balmax Gestão de Serviços e Prefeitura de Santa Bárbara d’Oeste, por meio da Secretaria de Segurança, Trânsito e Defesa Civil.
(Com Bruna Quintanilha/SD&Press)
Show marca lançamento do álbum “O Tempo das Cores”, inédito no Brasil. Foto: Thalita Magalhães.
No dia 21 de agosto o Sesc Belenzinho recebe os músicos Edu Ribeiro (bateria), Vinicius Gomes (guitarra), Toninho Ferragutti (acordeom) e Bruno Migotto (contrabaixo) para apresentarem show no teatro. Com trajetórias consolidadas no Brasil e no exterior, eles acumulam trabalhos autorais, colaborações com artistas relevantes e participações em importantes projetos da cena contemporânea. Os ingressos vão de R$ 18 (Credencial Sesc) a R$ 60 (inteira).
A partir do álbum gravado no Studio La Buissonne, no sul da França, um dos estúdios mais relevantes da música instrumental no mundo, com uma longa história de gravações ligadas à ECM Records. Em “O Tempo das Cores”, o encontro se dá a partir das composições de cada integrante, que assinam duas peças do repertório cada um. O resultado é um trabalho que reflete diferentes caminhos da música brasileira, com destaque para as polirritmias e espaço para improvisação. O grupo propõe uma abordagem centrada na prática coletiva, onde a experiência individual de cada músico contribui para uma sonoridade que se constrói no diálogo e na presença em cena. No palco, esse encontro se revela na escuta e na interação entre os músicos, tornando cada apresentação exclusivamente especial, numa fotografia das influências de cada um desses artistas e suas percepções da exploração da música.
Edu Ribeiro – Baterista, compositor e educador, vencedor de dois prêmios Grammy. Atua na cena instrumental brasileira e internacional, com trabalhos autorais e colaborações com artistas como Chico Pinheiro, Eliane Elias e Hamilton de Holanda. É professor na Faculdade Santa Marcelina e coordenador da Emesp Tom Jobim.
Toninho Ferragutti – Acordeonista, compositor e arranjador, com ampla atuação na música brasileira. Trabalhou com artistas como Gilberto Gil, Maria Bethânia e Lenine. Possui diversos álbuns autorais, três indicações ao Grammy Latino e prêmios relevantes da música brasileira.
Bruno Migotto – Contrabaixista, compositor e educador, com trajetória consolidada no Brasil e no exterior. Participou de projetos e gravações com artistas como Gilberto Gil, Ivan Lins e Chico Pinheiro, além de integrar diferentes formações da música instrumental.
Vinicius Gomes – Guitarrista e compositor paulistano radicado em Nova Iorque. Desenvolve um trabalho que aproxima o jazz contemporâneo da música brasileira, com álbuns lançados internacionalmente e colaborações com músicos da cena global.
SERVIÇO:
Edu Ribeiro, Vinicius Gomes, Toninho Ferragutti e Bruno Migotto
Dia 21 de agosto de 2026. Sexta-feira, 20h30
Local: Teatro (374 lugares)
Valores: R$ 60 (inteira); R$ 30 (Meia entrada), R$ 18 (Credencial Sesc)
Ingressos à venda no portal sescsp.org.br e nas bilheterias das unidades Sesc
Classificação: 12 anos
Duração: 90 minutos
Sesc Belenzinho
Endereço: Rua Padre Adelino, 1000 – Belenzinho – São Paulo (SP)
Telefone: (11) 2076-9700
Estacionamento: De terça a sábado, das 9h às 21h. Domingos e feriados, das 9h às 18h.
Valores: Credenciados plenos do Sesc: R$ 10,00 a primeira hora e R$ 4,00 por hora adicional. Não credenciados no Sesc: R$ 20,00 a primeira hora e R$ 5,00 por hora adicional.
Transporte público: Metro Belém (550m) | Estação Tatuapé (1400m).
Sesc Belenzinho nas redes
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(Com Priscila Dias/Sesc Belenzinho)